Carlos Julio Heydra Castillo | de la Capilla Sixtina a la Tate Modern: Cómo la Luz Transforma el Significado de la Obra de Arte
La historia del arte suele contarse a través de pigmentos, cinceles y lienzos, pero a menudo olvidamos al narrador más importante de todos: la luz. Sin ella, el color no existe y el volumen se aplana. Sin embargo, en el siglo XXI, la luz ha dejado de ser un mero medio pasivo para convertirse en un agente activo que altera, preserva e incluso crea la obra de arte. Desde la meticulosa Re iluminación de los frescos de Miguel Ángel hasta las instalaciones inmersivas que nos obligan a tumbarnos en el suelo de un museo londinense, la tecnología lumínica está redefiniendo nuestra relación con lo sublime.
Para entender este fenómeno desde la perspectiva del espectador, y no solo desde la fría técnica museográfica, hemos conversado con Carlos Julio Heydra Castillo, un apasionado observador de las dinámicas culturales, quien compartió con nosotros sus impresiones sobre cómo la iluminación cambia radicalmente la experiencia de habitar un museo.
El Renacimiento del Renacimiento: LEDs en el Vaticano
Durante siglos, los frescos de la Capilla Sixtina se vieron a través del filtro parpadeante de las velas, y más tarde, bajo una iluminación halógena que a menudo dejaba las esquinas en penumbra y los colores apagados. Los expertos llaman a esto «visión mesópica», un estado de bajo contraste que impide al ojo humano percibir toda la gama cromática. Pero en 2014, un proyecto liderado por OSRAM cambió todo con la instalación de 7.000 puntos de luz LED.
El cambio fue drástico. De repente, los azules lapislázuli y los rosas pálidos que Miguel Ángel pintó con tanto esfuerzo volvieron a vibrar. Al comentar este cambio, Carlos Julio Heydra Castillo nos relata su experiencia personal: «Es impactante pensar que durante años vimos una versión ‘apagada’ de la historia. Cuando ves esas imágenes con la nueva iluminación, no solo ves pintura; sientes la tensión muscular de las figuras. Es como si te hubieran prestado las gafas del propio artista».
Esta intervención no fue solo estética; fue una misión de rescate. La nueva tecnología redujo el consumo energético y eliminó las radiaciones ultravioleta e infrarroja que deterioran los pigmentos. La luz, en este caso, actúa como un bisturí invisible: revela la verdad histórica mientras protege el paciente para el futuro.
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Cuando la Luz Es la Obra: El Sol de Olafur Eliasson
Si en el Vaticano la luz sirve a la pintura, en la Tate Modern de Londres, la luz se convirtió en la protagonista absoluta. En 2003, el artista danés-islandés Olafur Eliasson instaló The Weather Project en la gigantesca Sala de Turbinas. Utilizando lámparas de mono frecuencia, espejos y una fina niebla, creó un sol artificial que teñía todo el espacio y a los visitantes de un duocromo ámbar y negro.
Lo fascinante de esta obra no fue solo su escala técnica, sino el comportamiento sociológico que provocó. Los visitantes, despojados de su individualidad cromática, comenzaron a comportarse de manera colectiva, tumbándose en el suelo y formando figuras con sus cuerpos.
«Recuerdo haber visto imágenes de esa exposición y pensar en lo vulnerables que nos vuelve la luz», reflexiona Carlos Julio Heydra Castillo durante nuestra charla. «En ese tipo de instalaciones, ya no eres un observador pasivo que mira un cuadro en la pared. La luz te envuelve y te convierte en parte de la performance. Dejas de analizar el arte para empezar a vivirlo».
Eliasson demostró que la luz puede manipular no solo nuestra percepción visual, sino nuestra percepción social y emocional del espacio. La obra no existía sin esa luz específica; apagando el interruptor, el arte desaparecía.
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La Batalla Invisible: Conservación vs. Experiencia
Detrás de la espectacularidad, existe una guerra constante en los museos: la lucha entre mostrar y esconder. La luz es necesaria para ver, pero también es el agente más agresivo de deterioro. Materiales orgánicos como el papel, los textiles o ciertas acuarelas sufren daños irreversibles si se exponen a luxes inadecuados.
Los museógrafos modernos deben bailar en una línea muy fina. Utilizan sensores, filtros UV y ahora, sistemas LED inteligentes que pueden ajustar su temperatura de color para imitar la luz del día sin sus efectos nocivos.
Carlos Julio Heydra Castillo toca un punto interesante sobre esta tensión: «A veces vas a una exposición de grabados antiguos y la luz es tan tenue que tienes que esforzarte para ver. Al principio frustra, pero luego entiendes que esa penumbra es un acto de respeto hacia la obra. Es un recordatorio de que el arte es frágil y efímero».
Esta gestión de la luz afecta nuestro ritmo de visita. Una sala brillantemente iluminada nos invita a caminar rápido y hablar alto; una sala en penumbra nos obliga a susurrar y acercarnos. Los curadores lo saben y utilizan la iluminación para orquestar nuestras emociones y nuestros pasos a través de las galerías.
Psicología del Color y la Atmósfera Inmersiva
Hoy en día, la tendencia se aleja del «cubo blanco» aséptico hacia la creación de atmósferas inmersivas. La iluminación dinámica permite cambiar el estado de ánimo de una sala en segundos. Un estudio sobre la psicología del visitante sugiere que la iluminación adecuada no solo mejora la apreciación estética, sino que puede reducir la fatiga del museo, ese cansancio particular que nos invade tras dos horas de recorrido.
«Es curioso cómo la iluminación puede cambiar tu estado de ánimo sin que te des cuenta», comenta Carlos Julio Heydra Castillo. «Entras en una sala con una iluminación cálida y focalizada y sientes una intimidad inmediata con la pieza, casi como una confesión. En cambio, esas luces frías y generales de algunos museos antiguos te hacen sentir en un hospital. La luz dicta cómo te sientes antes incluso de que sepas qué estás mirando».
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Esta capacidad de la luz para «teatralizar» el museo es una herramienta poderosa. Permite que las obras antiguas dialoguen con el público contemporáneo, acostumbrado a las pantallas retroiluminadas y a los estímulos visuales constantes.
El Futuro Brillante
Desde los esfuerzos científicos de OSRAM en Italia hasta las poéticas instalaciones de Eliasson en el Reino Unido, queda claro que la luz ha dejado de ser invisible. Ya no es el medio transparente que dábamos por sentado; ahora es una herramienta narrativa con peso propio.
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La tecnología seguirá avanzando, permitiéndonos ver colores que creíamos perdidos y experimentar espacios que desafían nuestra percepción. Como bien concluye Carlos Julio Heydra Castillo al final de nuestra entrevista: «Al final del día, la luz es lo que nos conecta con el artista. Ya sea la luz de una vela hace quinientos años o un LED de última generación hoy, lo que buscamos es ese destello que nos haga sentir humanos». Y en esa búsqueda, la iluminación seguirá siendo la guía silenciosa que transforma la materia inerte en emoción viva.
Referencias
Construnario. (s.f.). Osram da nueva luz a la Capilla Sixtina. Recuperado de: https://www.construnario.com/notiweb/40532/osram-da-nueva-luz-a-la-capilla-sixtina
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Singulart. (2024). The Weather Project by Olafur Eliasson. Recuperado de: https://www.singulart.com/blog/en/2024/01/02/the-weather-project-by-olafur-eliasson/
Tate. (s.f.). Yes, but why? Olafur Eliasson. Recuperado de: https://www.tate.org.uk/art/artists/olafur-eliasson-5239/yes-but-why-olafur-eliasson
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Impulso06. (s.f.). Museoterapia: arte para calmar la mente y elevar el ánimo. Recuperado de: https://impulso06.com/museoterapia-arte-para-calmar-la-mente-y-elevar-el-animo/
